Etnoscopias [ECM]

fim de semana >> sexta-feira >> 07.05.1993

500 DISCOS ECM

 

Etnoscopias

 

 

Jan Garbarek é o fio de prumo e o fio condutor das muitas músicas que se espraiam pela ECM. O saxofonista e compositor norueguês perfila-se como um catalisador das propostas não jazzísticas que o selo de Manfred Eicher desde sempre vem apresentando. Não espanta, nesta medida, que lhe tenha cabido a honra de assinar o disco número 500 do catálogo, através de “Twelve Dreams”, por sinal um dos seus piores discos de sempre. Mas festa é festa e há maneiras piores de apagar as velas.

Do “free” que caracterizava as primeiras obras a uma postura contemplativa que em absoluto renega a improvisação, longo e tortuoso tem sido o trajeto de Garbarek no seio da ECM. Se nos cingirmos ao território, repleto de armadilhas e decorativismos enganadores, dos sons indireta ou diretamente conotáveis à “world music” (designação que nada diz mas que facilita a arrumação da música que não é rock nem jazz nem provém da Inglaterra ou dos Estados Unidos...), Jan Garbarek lá está, sonoplasta das culturas não ocidentais e não anglo-americanas do mundo.

A perspetiva sob a qual Garbarek aborda as diversas linguagens tradicionais é, no mínimo, curiosa. Não se trata, como no caso dos Oregon, de qualquer tipo de fusão, mas antes do confronto e do diálogo entre códigos diferentes num processo de estimulação mútua. O resultado desta estratégia pode ser apreciado em obras como “Making Music”, com o tocador de tablas indiano Zakir Hussain, “Song for Everyone”, com o violinista da mesma nacionalidade, Shankar, ou, mais recentemente, em “Ragas and Sagas”, com o cantor paquistanês Ustad Fateh Ali Khan. A vertente étnica planificada e colorida segundo uma visão cinematográfica. Enredos ancestrais projetados em cinemascope e technicolor.

Mas é na reconversão do folclore do seu próprio país para formas contemporâneas que Jan Garbarek alcançará uma maior coerência estética entre o lirismo do seu saxofone e as raízes tradicionais.

Experiência que o músico aprofundará em “Legend of the Seven Dreams” e, em estado de graça, na liturgia “Rosensfole”, inteiramente baseada em temas da tradição medieval norueguesa que a cantora Agnes Buen Garnas interpreta à beira do sublime. Em “I Took Up The Runes”, na companhia de outra cantora tradicional, Ingor Antte Ailu Gaup, é já visível a cedência ao “bonito e agradável” em detrimento do sentido do sagrado. Compromisso com uma fórmula que terá resultado em termos comerciais, mas que no disco 500, “Twelve Moons”, se traduz num festival de lugares-comuns e piscadelas de olho ao gosto dominante, não faltando sequer as vozes, neste caso perfeitamente dispensáveis, de Agnes Buen Garnas e Mari Boine Persen, de “Gula Gula”, editado na Real World.

Felizmente as incursões pelas paisagens musicais exóticas do planeta não se esgotam num glaciar da Noruega. Outros músicos apresentam obra consistente e uma alternativa, sonora e conceptual, ao papado de Garbarek. Entre eles, três nomes se destacam, com discografias plurais na ECM: Shankar, Steve Tibbetts e Stephan Micus, aos quais se poderão acrescentar os de Jon Hassell, em “Power Spot”, e de Egberto Gismonti, em “Kuarup”, inspirado nos sons da Amazónia. Num nicho separado habita, resplandecente, o álbum “Nafas”, de Rabih Abou-Khalil, na companhia dos altos dignatários da corte “etno”, Glen Velez, Selim Kusur e Setrak Sarkissian. Um dos monumentos mais belos alguma vez erigidos à música árabe.

Shankar, o “virtuose” do violino de dois braços, alterna na sua obra o excelente com o péssimo. No cume da montanha respiram “Who’s to Know” e “Pancha Nadai Pallavi”, fiéis na forma e no estilo ao arquétipo da “raga” indiana. O encontro feliz da Índia com a música pop ocorre em “Nobody Told Me” e “Song for Everyone”. O descalabro ficou reservado para o projeto Epidemics, no qual a pop vestida de “saari” desce ao nível dos filmes indianos que há alguns anos esgotavam as lotações do Odeon.

Sem descidas ao pantanal está a totalidade da obra assinada pelo guitarrista Steve Tibbetts, algures entre o intimismo e misticismo de John McLaughlin do período Shakti, o rock de alta tensão e a levitação nas brisas orientais. Se “Yr” e “Big Map Idea” raramente condescendem em sair da beatitude, já “Safe Journey”, “Northern Song” e “Exploded View” são capazes de proporcionar genuínas descargas de adrenalina.

Quem preferir, pelo contrário, permanecer no nirvana, pelo menos durante o tempo que demora uma audição, tem à sua disposição o incenso, as orações e o altar de Stephan Micus. Na obra deste compositor de ascendência bávara, a música nasce a partir de um profundo ato de interiorização a par do estudo aprofundado dos timbres de instrumentos exóticos recolhidos um pouco por todo o mundo. Desta confluência entre espírito e forma (enquanto “molde”), entre o silêncio e a vibração pura, entre o canto regido pelos cânones tradicionais e a manipulação de objetos sonoros como vasos (“Wings Over Water”) ou pedras (“The Music of Stones”), a arte de Stephan Micus atinge o ponto máximo de depuração no minimalismo zen de “Koan”, nas vagas de cristal de “Ocean” e no sorriso de felicidade que se abre em “To the Evening Child”.

Desperto para a eternidade, alquimista da matéria sonora, asceta vagueando por entre a pluralidade e a voragem consumista do mundo, Stephan Micus devolve-nos a simplicidade e ensina-nos a escutar as águas da fonte.

"A tinta permanente é a mais volátil" [Sérgio Godinho]

 

Pop Rock

 

5 de Maio de 1993

 

“Tinta Permanente” é o 15º álbum da discografia de Sérgio Godinho, quatro anos depois do lançamento de “Aos Amores”, último álbum de originais, e dois depois do duplo com novas versões de temas antigos, “Escritor de Canções”. Sem apresentar muitas novidades em termos formais em relação à sua obra anterior, “Tinta Permanente” te, entre outras, a virtude de mostrar que Sérgio Godinho permanece atento e vigilante às histórias do quotidiano e às histórias que se vão desenrolando no interior de si próprio.

Gravado entre Dezembro do ano passado e Março deste ano, “Tinta Permanente” tem produção do autor e de Paulo Pulido Valente. Os arranjos e direcção musical levam a assinatura de João Esteves da Silva, que já havia colaborado com Sérgio Godinho no álbum de 1983, “Coincidências”.

Entre os músicos convidados, contam-se José Salgueiro, Paleka, Tomás Pimentel, Pedro Wallenstein e João Paulo Esteves da Silva e um quarteto vocal feminino composto por Teresa Salgueiro, Filipa Pais, Dora Fidalgo e Sandra Fidalgo. O alinhamento de temas é o seguinte: “O Elixir da eterna juventude”, “O primeiro gomo da tangerina”, “A face visível da Lua”, “Enfim SOS” (do filme de Sérgio Godinho “SOS Stress”), “Melhor que o amor”, “O fim de tudo”, “Pequenos delírios domésticos” (com música de Jorge Constante Pereira), “Os hinos” e “Fotos do fogo”.

Inicialmente programado para sair a 11 de Maio, problemas técnicos obrigaram a um adiamento, prevendo-se que “Tinta Permanente” seja editado ainda antes do final do mês.

 

“A TINTA PERMANENTE É A MAIS VOLÁTIL”

 

As suas palavras dizem tudo. Ou quase. Sérgio Godinho, “escritor de canções”, regressa com novas histórias. Casos de amor, golpes de dor, partidas que a memória prega. Até de “dar porrada”, quando é preciso. Escritas, todas, a tinta permanente.

 

“Tinta Permanente”, primeiro disco de originais depois de “Aos Amores”, de 1989, renova o encontro de Sérgio Godinho com as palavras, a música das palavras, e as palavras com que desde 1971 vem escrevendo a vida em forma de canções. Entre o sonho e o esquecimento, continua a ser o primeiro dia.

PÚBLICO – Desde 1989 que não gravava um álbum de originais. A que se deve esta espera tão longa?

SÉRGIO GODINHO – Nunca funcionei com prazos nem contratos para gravar de tanto em tanto tempo. Depois, tenho interesses noutras áreas. O que aconteceu foi que, após ter gravado o “Aos Amores”, senti um certo cansaço, que era um bocado o fim da linha de uma determinada fórmula. Resolvi repensar tudo e fazer o espectáculo Escritor de Canções, em que reformulei a noção de acompanhamento e fiz uma revisitação de antigas canções sob roupagens diferentes.

P. – Essa pausa prende-se com os projectos que desenvolveu em cinema?

R. – É evidente. Fiz na altura o Luz na Sombra, uma série de programas sobre seis figuras e funções menos conhecidas do mundo da música, com toda a anarquia inerente a trabalhar numa produção da RTP. Foi muito absorvente. Depois houve também um projecto de três filmes de ficção, de título genérico “Ultimactos”, que acabei por filmar só em Janeiro do ano passado. Ficaram prontos em Setembro e programados para a grelha da RTP de Novembro, cuja reformulação, devido a esta estúpida guerra de audiências que existe, acabou por privilegiar, como produção portuguesa, apenas telenovelas e “sitcoms”. Os meus filmes ficaram em “stand by”…

P. – O título do novo álbum, “Tinta Permanente”, como o anterior, remete de imediato para a noção de escrita. Desta vez com a sugestão de um clássico…

R. – Em metade dos meus álbuns tive dificuldade em encontrar um título. O que é um bocado absurdo, tendo em conta que mexo imenso com as palavras… Há discos em que encontrei o título em primeiro lugar, como “Coincidências”, “Salão de Festas” ou “Aos Amores”. Mas houve outros em que, já depois do disco estar feito, foi como que ter de encontrar o nome para um filho vendo primeiro a cara dele. “Tinta Permanente” tem um bocado essa noção, daquilo que fica, que vai permanecendo, mas também do que foge: a tinta permanente é a tinta mais volátil. Há portanto uma ilusão. E uma ironia. Essa permanência traz consigo uma contradição. Dupla ironia.

 

“Luta permanente”

 

P. – Depois de “Escritor de Canções”, que de certa forma pode ser entendido como o fecho de um ciclo, “Tinta Permanente” não avança grandes novidades em relação à sua obra anterior. Será que esse estatuto de “escritor de canções” impede qualquer tipo de ruptura?

R. – Nunca fui, até por formação, uma pessoa de rupturas totais. Há caminhos próprios e o retomar de certos elementos. A minha proposta continua a ser mexer com o meu imaginário poético e tocar no imaginário das pessoas.

P. – Mas não receia a institucionalização do seu som? A nível dos arranjos ou de fórmulas melódicas, por exemplo? De uma certa maneira de vestir as canções que parece ter cristalizado?

R. – Só vendo canção a canção. A nível musical acho que há uma espécie de apuro, uma dinâmica da melodia…

P. – Sempre atrás da musicalidade das palavras?

R. – Não, à partida. Começo de uma base musical. O grande equívoco é que, como as minhas palavras são bastante fortes, presume-se que elas surgem antes da música. Na verdade, é a música que vai determinar o que serão as palavras. Quando falo em “luta permanente”, no texto de introdução, refiro-me à luta que existe no acto de compor. É estranhíssimo. Tenho dias em que não consigo fazer nada, um desgosto pela criação… até que de repente há uma fulgurância que me coloca outra vez na senda. Uma luta feita de jogos interactivos entre a melodia e o ritmo. Depois as palavras começam a aparecer, apesar disso e com isso.

Neste disco retomei três ou quatro coisas que procurei desenvolver, como a presença de coros femininos, que é quase uma constante do disco e que dá, de certo modo, um contraponto à minha maneira de cantar, mais enfática. Por outro lado, a presença de percussão. Só há três canções com bateria. Por outro, ainda, o retomar da guitarra acústica, que eu quase tinha abandonado e é o instrumento no qual componho. Abandoná-la seria quase uma traição a qualquer coisa que me é intrínseca.

P. – Em “Tinta Permanente” assoma com muita força uma dimensão que tem marcado toda a sai obra, a do tempo e das histórias que lhe servem de medida. O disco inicia-se com um “Elixir da eterna juventude”…

R. – É uma canção profundamente irónica, mas ao mesmo tempo séria. Em quadras que jocosamente vão descrevendo essa passagem do tempo e, em simultâneo, uma falsa declaração de envelhecimento. Por isso acabo com esse semi-“rap”: “Estou velho, dói-me o joelho, a parte interna de uma perna”…

P. – Como encara o seu próprio envelhecimento?

R. – A minha visão é muito estranha. Por um lado, sou muito pouco geracional, não me situo nem sobrevalorizo determinada época “versus” outra. Até em termos pessoais, tenho um bocado de dificuldade em definir a minha idade. Sinto-me muito puto. Com uma receptividade natural ao que está a acontecer.

P. – A experiência não conta?

R. – A experiência acumulada, seja em termos de criação ou das desilusões da vida, vai-me dando um certo calo. O que me permite neste momento falar do envelhecimento, da morte…

P. – O tema da morte surge várias vezes neste disco…

R. – Falo, de facto, várias vezes da morte, mas – é curioso – não num sentido depreciativo.

P. – Como fim e recomeço, talvez?

R. – O renovar das forças é essencial. Quando acabo um disco, por exemplo, fico sem vontade sequer de ouvir ou de compor. É um trabalho que esgota as energias criativas. Então sinto uma necessidade meio vampírica de me alimentar de outro tipo de criação. Mas voltando ao tema da morte, penso que este disco é até bastante luminoso. Embora tenha arriscado terminá-lo num tom sombrio, com “As fotos do fogo”.

P. – Um tema como “O primeiro gomo da tangerina” é quase “O primeiro dia” sem “o resto da tua vida”…

R. – Isso é engraçado. Essa canção foi composta ao ver a minha filha mais pequena comer a primeira tangerina.

 

Entre dois fogos

 

P. – Em “As fotos do fogo” recua ao período da guerra colonial. O que o levou a regressar a esse passado doloroso da história portuguesa?

R. – Faz-me um bocado impressão a falta de memória activa deste país. A incapacidade de construir a partir de uma experiência que foi fortíssima para o imaginário português – a guerra. Essa experiência está presente nas tatuagens que se vêem no Verão, nos braços por baixo de camisas de manga curta. No outro dia vi um tipo com uma tatuagem de um corpo de mulher que dizia, suponhamos, “Lena, amo-te”, riscado e corrigido para “Carla, amo-te” e de novo riscado e substituído por um terceiro nome.

Concretamente houve duas coisas que me levaram a escrever essa canção: uma reportagem do “Expresso” sobre o massacre de Wiryiamu [Moçambique, 1972] e, quase paralelamente, a história de militares que violaram mulheres sob ordens, na Bósnia. Quis ficcionar sobre o que leva as pessoas aparentemente sãs a, debaixo de certas circunstâncias, fazerem coisas que são contra todos os seus princípios e natureza. E depois, por outro lado, por que é que as pessoas se vão esquecendo disso. Não é só por bloqueio, porque o quotidiano tende a normalizar essas coisas, a diminuir a sua importância. O tipo da canção começa a ver as fotos da guerra, junto ao fogo da lareira, e vai vendo progressivamente menos. Até que acaba por fechar o álbum.

P. – Curioso como volta a assumir, em “Tinta Permanente”, um lado mais “intervencionista” para a sua música…

R. – Nunca fui grande fã desse rótulo de “música de intervenção”…

P. – Referia-me ao pôr o dedo em alguns tiques e taras da sociedade portuguesa.

R. – Essa palavra, “intervenção”, creio que se esgotou. Acabou por dizer menos do que aquilo que queremos dizer.

P. – Sente-se então na posição do artista afastado do mundo, que cria num limbo?

R. – Como criador e como artista, falo de coisas de que gosto e de outras de que não gosto. Com contundência e com poesia. A contundência, assim como o humor são segundas naturezas. Como tocar naquele ponto nervoso que provoca uma reacção em todo o corpo. É isto que eu quero fazer. Trabalhando de dentro para fora e não de fora para dentro.

P. – Em “Os hinos” é bastante contundente.

R. – Em “Os hinos” eu tinha que dar porrada…

P. – “Quantos sentidos tem a palavra que o hino tomou por escrava”, não é?

R. – Essa e outra frase essencial do mesmo tema: “Em cama onde não durmas não te deites”. “Tinta Permanente” é um disco irónico. Com uma utilização muito sarcástica da ideia.

 

Palavras com música [Sérgio Godinho]

Pop Rock

 

5 MAIO 1993

 

PALAVRAS COM MÚSICA

 

            António Lobo Antunes e Manuel Alegre, escritores, solicitados pelo PÚBICO, deram a sua opinião sobre Sérgio Godinho, escritor de canções. Ambos reconheceram qualidade literária nos textos do autor de “Tinta Permanente”.

 

            “Nos anos 60, com o José Afonso, sobretudo, mas também com José Mário Branco e Fausto, começaram a aparecer letras de canções de uma grande qualidade.” Quem o diz é António Lobo Antunes, escritor cujas palavras Vitorino recentemente musicou em “Eu que me comovo por tudo e por nada”. “Parece-me muito difícil fazer letras como as que o Sérgio Godinho faz. Conseguir tornar poéticas palavras por vezes muito pouco poéticas.” Para o autor do “Tratado das Paixões da Alma”, “há bastantes mal-entendidos à volta da palavra ‘escritor’”. Se “em relação aos livros há que distinguir entre ‘escritores’ e ‘fazedores de livros’, diz, “em relação à música passa-se o mesmo, entre ‘escritores de canções’ e ‘fazedores de canções’”.

            Escritor de canções, segundo Lobo Antunes, “tem que ver com duas coisas fundamentais: o talento e o trabalho. E com uma honestidade intelectual, uma questão de fidelidade a si próprio, não tentar vender gato por lebre, não piscar o olho ao público”. “Em literatura, há tipos que encontraram uma receita de sucesso e depois de limitaram a repeti-la”, continua, “um escritor honesto seria aquele que correria riscos cada vez que fizesse um novo trabalho. Parece-me que é o que o Sérgio Godinho faz”.

            Serão assim tão diferentes o poeta e o escritor de canções? Lobo Antunes é de opinião que, “quando se escreve só poesia, há apenas a preocupação com as palavras”. “O dramático da canção é tentar dizer muita coisa em três minutos. É mais fácil com um romance, em que se tem 300 ou 400 páginas…”

            Quanto a Manuel Alegre, também ele autor de poemas musicados, entre outros, por Adriano Correia de Oliveira, Alain Roman, Vitorino e José Niza, pensa que a tradição dos escritores de canções “vem de muito longe, dos provençais, que compunham, escreviam e cantavam”. Manuel Alegre, como Lobo Antunes, aponta José Afonso como pioneiro. De Sérgio Godinho diz que “recuperou aquela tradição, sendo moderno” e que o fez “com bastante felicidade, inspirando-se também”, supõe, “em alguns exemplos da música brasileira e francesa, mas com inegável originalidade”.

            Sobre a diferença entre poesia e poesia para canções, Manuel Alegre afirma que “toda a grande poesia, desde o início, de Homero à ‘Bíblia’, até Camões e aos grandes poetas”, se inscreve numa máxima de Ezra Pound: “A poesia e a música nasceram juntas.” “Quando a poesia se separa da música, normalmente degenera.” Segundo o poeta de “Babilónia”, “a grande poesia é mesmo para ficar no ouvido, para ser dita, para ser cantada, para ser decorada, para ser partilhada. Há poemas de Camões que parecem ter sido escritos para serem cantados, para serem cantados pela Amália.”

 

The Tannahill Weavers - The Mermaid's Song

pop rock >> quarta-feira >> 05.05.1993

WORLD

 

The Tannahill Weavers
The Mermaid’s Song
CD Green Linnet, distri. Megamúsica

            Nono álbum de um dos principais grupos escoceses, ao lado dos Battlefield Band e dos Whistlebinkies, “The Mermaid’s Song” vem juntar-se a “Land of Light”, “Dancing Feet” e “Cullen Bay”, todos disponíveis em Portugal, confirmando o interesse crescente pela música tradicional de um país que até agora tem sido ofuscado pelo seu vizinho irlandês. Os Tannahill Weavers pertencem àquela categoria de grupos que preferem manter uma linha de continuidade em vez de avançar por ruturas ou grandes rasgos de originalidade. Instrumentalmente são impecáveis, salientando-se o virtuosismo de Kenny Forsyth nas “highland pipes”. As vocalizações, partilhadas por quatro membros da banda, sem atingirem a craveira de um Brian McNeill nos melhores dias dos Battlefield, são suficientemente competentes, atingindo o momento mais alto em “The cuillins of Rhum”, história deliciosa passada em Rhum, a “ilha onde ninguém tem preocupações durante muito tempo”. O título-tema, uma das muitas narrativas do folclore da Escócia tendo por tema os amores entre sereias e humanos, passou de uma canção em gaélico a um “air” em que pontifica a suavidade do diálogo do violino com o “tin whistle”. As “highland pipes” dão o seu melhor na corrida de força e velocidade que é “The fourth floor”. Duas curiosidades: “A bruxa”, uma valsa da autoria de Anton Seoane, dos Milladoiro, incluída no álbum desta banda galega, “A Galicia de Maeloc”, e a recuperação de “Are ye sleeping Maggie?”, primeira de todas as canções gravadas pelos Tannahill Weavers, no álbum-estreia do mesmo nome. (8)

Midnight Oil - Earth And Sun And Moon

pop rock >> quarta-feira >> 05.05.1993

NOVOS LANÇAMENTOS POP ROCK

 

Midnight Oil
Earth and Sun and Moon
CD Columbia, distri. Sony Music

            Magníficos nas apresentações ao vivo, os Midnight Oil, banda australiana formada em Sydney, com este nome, em 1976, têm tido alguma dificuldade em conseguir níveis de energia equivalentes nas gravações de estúdio. Depois da edição, no ano passado, do álbum ao vivo “Scream in Blue”, encontraram neste seu novo disco uma solução provisória para o problema, através da chamada gravação “ao vivo em estúdio”, recorrendo para tal à tecnologia analógica com posterior passagem para o digital. Os resultados, se não conseguem ainda atingir as dimensões apocalípticas das atuações em público, dão contudo a perceber a força que caracteriza este grupo impulsionado pela voz do cabeça rapada Peter Garrett, a guitarra elétrica de Jim Moginie e a batida industrial de Rob Hirst. Afastadas de momento as preocupações políticas e ecológicas desde sempre perfilhadas pela banda (já tocaram lado a lado com o grupo de aborígenes australianos Warumpi), os Midnight Oil devem muito do apelo imediato da sua música ao modo como mantêm forte o vínculo que a liga à tradição do rock ‘n’ roll. Elementares, como a Terra, o Sol e a Lua. Poderosos como um cataclismo da Natureza. (7)

Sexo com os tambores [Kodõ]

 

cultura >> quarta-feira >> 28.04.1993

 

Percussões japonesas nos Jerónimos

 

Sexo com os tambores

 

O grupo de percussões japonesas Kodõ, “crianças do tambor”, celebrou nos claustros dos Jerónimos um ritual de louvor à vida e ao ritmo. Ao ritmo da vida. Em guerra com os tambores tradicionais Taiko. Em paz com o mundo. Kodõ significa também “palpitar do coração”.

 

Aconteceu na noite de segunda-feira, em Lisboa, quando os tambores tradicionais Taiko, do grupo japonês Kodõ, invadiram os claustros dos Jerónimos, fazendo vibrar as pedras e o corpo da assistência convidada, numa cerimónia ritual de dança e percussões integrada no “Close-up of Japan-Lisboa-93”, iniciativa levada a cabo todos os anos, em diferentes cidades do globo, com o objetivo de divulgar a cultura japonesa. Cerimónia solene onde estiveram presentes o presidente da República, Mário Soares, e a princesa e o príncipe Takamado, do Japão, e que se repetirá hoje e amanhã, no mesmo local, em espetáculo para todos.

Cada instrumento musical tem uma alma própria. Qual é a alma do tambor? Explosão, rufo, disparo, baque, explosão. Um coração dentro da terra. Instrumento uterino, feito de matéria opaca, religa o corpo do homem ao ventre de Gaia, o planeta vivo. Os tambores Taiko assemelham-se a pipas de vinho, de tamanhos variáveis. Podem ser percutidos de ambos os lados, por um ou, nos de maiores dimensões (o maior de todos era gigantesco, montado sobre uma espécie de carro de guerra), dois músicos. Em vez de vinho produzem sons igualmente capazes de provocar a embriaguez.

Religação é sinónimo de religião. O grupo Kodõ, termo japonês com o duplo significado de “O palpitar do coração” e “crianças do tambor”, serve-se dos tambores para ritualizar os ritmos da terra, convocar os seus demónios, símbolo das forças telúricas que percorrem as artérias do planeta e, em última instância, para, comunicando com a terra, comunicar com o próprio corpo e as suas pulsões.

Durante o cerimonial zen dos Kodõ, o gesto dos executantes é indissociável da prestação musical propriamente dita. Homem, tambor e som confundem-se num corpo único. Num dos momentos mais altos de um acontecimento que terá deixado atónitos alguns dos convidados, os músicos, envergando apenas uns reduzidos panos brancos a envolver-lhes os rins, tocaram deitados, presos ao tambor, simulando (?) as convulsões do orgasmo, gritando e gemendo, enquanto percutiam o ventre do tambor. A música e gesto, repetido, cadenciado, tendo por função a acumulação de energia sexual, segundo uma prática conotável ao tantrismo. Ato dionisíaco, demanda do transe extático e da sintonia com as forças e fluxos naturais, em paralelo com um batuque africano ou uma bateria de samba.

 

Tantrismo

 

As artes marciais – como o tantrismo, uma técnica de auto-controle do corpo e da mente – estão também presentes na abordagem gestual e na aproximação estética dos Kodõ. Só assim se compreendendo, de resto, a capacidade de resistência física e a ginástica necessárias aos músicos para manter a inexorabilidade do ritmo e aceso o combate contra as peles dos tambores. O transe, e essa acumulação de força que invade o corpo do intérprete, permitiram o prodígio. Impressionante, a figura de um dos elementos dos Kodõ, erguido diante do monstruoso tambor Taiko, percutindo com dois enormes paus a superfície desenhada e iluminada, em ataques sucessivos, acompanhados de gritos de concentração (os “kiai” do karate), durante longos minutos, sem um desfalecimento, uma hesitação no gesto.

 

“Satori”

 

Oito percussionistas, um par por cada tambor, executaram noutra ocasião simetrias corporais, em uníssono ou em desmultiplicações por ritmos sobrepostos, numa geometria arrebatadora de ataque gestual às peles. E aos nossos sentidos.

Mas não só os tambores fazem parte do arsenal manuseado pelos Kodõ. Pequenos címbalos de mão estilhaçaram o ar, chisparam, acenderam fogos-fátuos nos claustros dos Jerónimos. Sinos invisíveis que vieram acordar em nós a saudade de pássaros. Cintilações enredo em harmónicos de silêncio. A paz, também. Um flautista esculpiu o ar em bambu, esvaindo-se na noite antes de se perder entre o público, maravilhado. Uma figura feminina, a única do grupo, de cabeça em forma de lua, dançou a dança do luar, dos segredos ditos por amantes com a cumplicidade das águas espelhadas de um lago. Mulher em quarto-minguante. Quarto-crescente, no céu.

Por fim, a festa. O encontro com a alegria. Com todos os celebrantes em júbilo coletivo, aos saltos diante da assistência, com os tambores a gritar alto o essencial: Acordem! “Satori”, como se chama no Budismo zen a este momento de iluminação.

 

Maio, maduro maio [Festival Cantigas do Maio]

 

pop rock >> quarta-feira >> 28.04.1993

 

MAIO, MADURO MAIO

 

A vila do Seixal será cenário, no próximo mês, da 4ª edição do Festival Cantigas de Maio, iniciativa que visa fomentar uma ação cultural, popular e descentralizada que “tenha a rua como palco e como origem”. Durante nove dias, as artes tradicionais vão ocupar a margem sul do Tejo.

 

 

Teatro de rua, exposições, gastronomia regional e espetáculos de música integram o programa das Cantigas de Maio que vão decorrer entre 14 e 22 de maio na vila do Seixal, sob a égide de José Afonso e com o apoio da Câmara Municipal do Seixal e da Região de Turismo da Costa Azul. No capítulo dos concertos musicais há bastante por onde escolher. Confirmadas estão as presenças dos galegos Matto Congrio, banda de um prodígio da gaita-de-foles chamado Carlos Nuñez, que esteve presente no Festival Intercéltico do ano passado, como convidado dos Chieftains, agora de regresso com um som bastante mais fiel à tradição da Galiza; da cantora tradicional da Beira Baixa, Catarina Chitas, acompanhada pelo Coro de Adufes de Penha Garcia; e, num espetáculo que se prevê memorável, a realizar no último dia no largo da igreja, do Grupo de Cantares de Manhouce, com Isabel Silvestre; e do Coro de Mulheres de Sófia composto por 24 “grandes vozes búlgaras”, dirigidas por Zdravko Mihaylov.

Outros nomes que vão estar presentes no Cantigas de Maio são os Cantares ao Desafio, de Montalegre (sexta-feira, 14), a Orkest de Volharding, grupo de jazz tradicional holandês que conta no seu reportório com temas de José Afonso (sexta-feira, 21), outro agrupamento da Galiza, os Alfolies, que farão animação de rua com as suas gaitas-de-foles e percussões (sábado, 15), João Afonso (sábado, 15), Paco Ibañez, lendário cantor espanhol de música de intervenção (sexta-feira, 21) e o grupo de cantares e danças da ilha de Santo Antão, Kola San Jon, que traz os ritmos, tambores e umbigadas de Cabo Verde (sábado, 22).

Do programa fazem também parte uma exposição de fotografia de Maurício de Abreu de genérico “Que A Voz Não Te Esmoreça”, título que dá o mote ao festival, e uma mostra “multimedia” de José Teófilo Duarte (ambas na sexta-feira, 14, às 19h).

O teatro de rua estará a cargo do grupo Tanxarina, da Galiza, que apresentará o espetáculo “Titiricircus”, uma comédia com marionetas de fios e palhaços (domingo, 17), e dos Artimagem, do Porto, com “Estive Quase Morto no Deserto...” (sábado, 22), num espetáculo que tem por palco as janelas e telhados das ruas centrais da vila.

Ocorrerão ainda três convívios: na segunda-feira, 17, com a noite do acordeão; na terça-feira, 18, com a noite da gaita de beiços; e na quarta-feira, 19, com a noite da guitarra portuguesa. Com petiscos surpresa a acompanhar. As entradas são livres em todos os espetáculos.

 

Catarina Chitas: sexta-feira, 14
Matto Congrio: sábado, 15
Paco Ibañez: sexta-feira, 21
Grupo de Cantares de Manhouce: sábado, 22
Coro de Mulheres de Sófia: sábado, 22

Todos os concertos têm início a partir das 22h, no largo da igreja